5 temas ruteros

Es hora de reactivar este blog ofreciendo un buen servicio a su público. Esta vez me dirijo a todo aquél que tenga que hacer un viaje largo y no sepa qué tema poner. Acá les ofrezco, de mi selección personal, 5 temas bien ruteros para que se disfruten en cualquier viaje e imaginen que están yendo a ninguna parte en un descapotable en medio del desierto. Empecemos:

1) Crossroads - Cream



Nada como un tema blusero/rockero para arrancar un viaje. El grupo con el que Eric Clapton, guitarrista legendario, se hizo conocido, tomó un viejo tema de un músico llamado Robert Johnson y lo convirtieron en uno de sus tantos estandartes.
La letra hace referencia a la famosa historia del blusero que le vende su alma al diablo para poder tocar bien la guitarra, y creo que capta bien el sentimiento que la música transportaba en los años 40.
Riffs potentes y constantes, este es uno de esos temas donde está siempre presente la influencia del blues en el rock. Un excelente trabajo conjunto de los tres instrumentos logran transportar a la audiencia en un largo viaje, aunque no se esté moviendo.

2) Interstate Love Song - Stone Temple Pilots



El tema que puso en el mapa a los Stone Temple Pilots. En plena década de los 90, el grunge estaba naciendo e hizo un rápido avance. Con sus letras melancólicas y voces ásperas, fue un estilo de música que encontró un fiel grupo de admiradores. La pelea que tuvo que enfrentar Stone Temple Pilots fue que Pearl Jam llegó primero y se los acusó de ser unos simples imitadores de estos. El grupo de Scott Weiland tenía que hacerse notar y distanciarse de los demás grupos.
Producto de ese esfuerzo es Interstate Love Song, un tema melancólico con riffs country-western y que recuerdan al rock sureño. Un gran tema para estar manejando bajo el sol.

3) Wannabe in L.A. - Eagles of Death Metal



Estos muchachos son la definición contemporánea de "rutero". Eagles of Death Metal son los nuevos portadores de la bandera del Desert Rock. Letras superficiales y clichés junto con riffs country y distorsiones muy apropiadas generan esta sensación de estar manejando a toda velocidad en una ruta desolada, buscando un camino aleatorio.
Los sureños Jesse "The Devil" Hughes y Josh "Baby Duck" Homme crearon esta canción rindiéndole homenaje a la ciudad cuna del caretaje y la espectacularización y como lo toman como su hogar.

4) Ramble on - Led Zeppelin



No importa qué, cualquier cosa que haga Zeppelin va a ser legendario. La guitarreada es suficiente para meterse en el ambiente de un viaje. Sólo Zeppelin sabe mezclar lo tradicional y mitológico, con sus referencias a poemas de Tolkien, con la música moderna para llegar a un resultado tan apasionante.
Ya sea porque la intertextualidad sugiere el viaje que Aragorn tiene que hacer para vencer a Sauron y alejarse de su amada Arwen, o porque la guitarra es genial para acompañar el tedio de recorrer un camino largo, este tema es uno de los mejores temas ruteros que escuché en mi vida.

5) My favourite game - The Cardigans



Quizás esté influenciado por el video, pero yo no me emprendería en ningún viaje sin poner este tema. The Cardigans es una banda muy particular, la voz de Nina Persson es impresionante y muy melódica, acompaña tanto sus temas melosos como sus temas rockeros. Esta vez, su voz de muchacha rebelde acompañada por un riff pegajoso es suficiente para hacer que cualquiera clave los ojos en el horizonte y deje que el volante le lleva a donde quiera.
La banda sueca sigue tocando hoy pero tuvo su apogeo a fines de los 90, época en la que su música era una más que nos ayudaba a distraernos y viajar entre nuestros pensamientos. Imprescindible para cualquier desplazamiento, aunque sea de casa al laburo.

Mitos del Rock: Paul is dead

Muchos deben haber oído ya este mito, siendo que nada que involucra a los Beatles se escapa de los ojos de su amada audiencia. Paul McCartney, bajista, vocalista y miembro más joven del grupo, está muerto... o eso se creía.
Durante la década de los 60, una leyenda urbana surgió entre los fans que sostenía que Paul había fallecido en un accidente automovilístico en 1966 y fue reemplazado por un imitador cuya voz y aspecto eran idénticos. Este rumor tenía hechos en los cuales basarse, algunos afirman que las pistas fueron puestas deliberadamente por los Beatles, ya sea como broma o como truco publicitario, otros piensas que son una serie de coincidencias puestas juntas por algún flaco que tenía demasiado tiempo libre. Sea cual sea el caso, John, Paul, George y Ringo han desmentido haber tenido algo que ver con la leyenda.
Pero ¿Qué tipo de pistas puede haber llevado a los fanáticos a pensar que el bajista estaba realmente muerto?
El primer indicio se remonta a el día 12 de octubre de 1969, cuando un hombre que se hacía llamar "Tom" llamó al DJ Russ Gibb (nada que ver con los Bee Gees) de la estación de radio WKNR-FM en Dearborn, Michigan y anunció que "Paul está muerto". Como prueba, Tom le sugirió que escuchara el tema "Revolution 9" al revés; así fue como Gibb creyó haber escuchado "Turn me on, dead man". El rumor dio lugar a su propio segmento en la radio y se difundió en poco tiempo. A partir de ese día, cada paranoico que encontrara una nueva "pista" escuchando un tema al revés o mirando la tapa de un disco con una lupa, publicaba su hallazgo y agregaba un nuevo elemento a la conspiración.
La historia más verosímil de la supuesta muerte fue unida con partes de distintas canciones, y dice así:
El 9 de noviembre de 1966, a las 3 a.m. y tras trabajar en el album Sgt. Pepper´s Lonely Hearts Club Band, Paul salió de la grabación, enfurecido por una pelea con el resto de la banda, se subió a su Astor Martin y chocó contra un poste de luz, perdiendo la vida instantáneamente. Los Beatles decidieron ocultar el suceso debido a que se encontraban en la cima de su carrera. Los indicios de que este evento sucedió son: la letra "he didn´t notice the lights had changed" en la canción A Day in the Life; el sonido de un auto chocando en Revolution 9 y A Day in the Life; la letra Wednesday morning at 5 o'clock as the day begins en She´s Leaving Home (hora en la que supuestamente fue declarado muerto); Wednesday morning papers didn't come en Lady Madonna (implicando que la prensa decidió no hacerlo público); la tapa del album Abbey Road que sugiere que hubo un funeral después del suceso (Lennon está vestido de blanco, como un clérigo, Starr está vestido de negro, como un director de funerales, McCartney está vestido de blanco sin zapatos, como un muerto, y tiene el paso cambiado con respecto al resto de la banda, y Harrison tiene un traje que se parece al de un sepulturero); y la supuesta frase "I buried Paul" que se dice que se escucha al final de Strawberry Fields Forever (según Lennon, él dijo en realidad "cranberry sauce").
Este rumor ha estado circulando por años y todavía hoy puede escucharse a algún fanático que prefiere creer en la idea de una conspiración, a pesar de las incontables veces que los Beatles han intentado desmentir la leyenda.

Los dejo con otras supuestas pistas que apuntan a la muerte de Paul:
1) En la patente de un auto de la tapa de Abbey Road puede leerse 28IF, indicando que Paul tendría 28 años si hubiera sobrevivido.
2) En la tapa de Sgt Pepper´s Lonely Hearts Club Band, Paul es el único que sostiene un instrumento de color negro y tiene atrás suyo al comediante británico Issy Bonn alzando la mano sobre su cabeza. En esa misma tapa, un arreglo de flores amarillas parece tener la silueta de un instrumento de cuerdas para zurdos, tal como el de Paul.
3)En la parte de atrás del disco arriba mencionado, hay una pequeña imágen de los miembros de la banda, en la cual, Paul está dando la espalda. Otra imágen muestra que un parche del uniforme del bajista parece decir OPD, que significa Officialy Pronounced Dead u "oficialmente pronunciado muerto" (se comprobó que el parche, en realidad dice OPP).
4) En el album Magical Mystery Tour, hay una imágen de la banda tocando el tema I Am the Walrus. Paul está descalzo. Otra imágen muestra a los Beatles con trajes blancos y rosas rojas en sus pechos. La rosa de Paul es negra.
5) Si se escucha el tema Blackbird al revés, la parte final parece decir "Paul is a dead man. Miss him, miss him, miss him."
6) Una parte de la letra de Don´t Pass Me By dice "I'm sorry that I doubted you. I was so unfair. You were in a car crash. And you lost your hair".

LONG LIVE ROCK!

Aprovecho esta entrada para hacer una nota totalmente personal; no voy hablar de ningún grupo o canción en particular, sólo quiero llevar a la luz algo que llamó mi atención.
Los que me conocen saben que soy un fanático de la música, del buen rock. Es casi una droga para mí y no hay un día en el que no escuche al menos un tema. A muchos les he dicho que sueño con ser redactor de la Rolling Stone o tener mi propio programa de radio. Sin embargo, al estar tanto tiempo alejado del mundo de la música actual, pasé por alto una realidad un tanto shockeante para cualquiera que haya cargado con una remera de Led Zeppelin y sus cuatro símbolos característicos o de AC/DC y sus títulos irreverentes, para cualquiera que haya aprendido a tocar la guitarra con el riff de "Iron Man" de Black Sabbath, para cualquiera que se haya rebelado contra una autoridad escuchando "Another brick in the wall", para cualquiera que haya seducido a una mujer cantando "Wish you were here" o haya terminado una relación con "Babe I´m gonna leave you".
Señores y señoras, Rockers y nenas....el rock está muriendo...

Muchos se habrán dado cuenta de esto antes que yo, otros estarán dándose cuenta en este momento, pero es la cruda realidad. Todos aquellos que compartan ese mismo amor conmigo y otros fanáticos deben estarlo sintiendo en este momento. La cumbia, el reggeaton y otras músicas de boliche dejaron de ser de boliche y se expandieron a los celulares, mp3 y ipods de millones de habitantes. Lo que se escucha en las mañanas y las tardes en la radio es exactamente lo mismo que se escucha los viernes y sábados a la noche en bares y fiestas. Se ha perdido la diversidad que tanto valor le daba a cualquier tipo de música.
El punk ya no es tan duro y caótico como solía serlo, el pseudo-punk de hoy se fusionó con la múscia emo y generó canciones de odio injustificado, irracional, poco poético, poco romántico y sobretodo, griterío incomprensible. No me gusta usar el término "comercial" porque se le suele dar un matiz negativo, pero el punk se alejó de su raíz anarquista y liberadora para entrar en la industria cultural, satisfaciendo las quejas y caprichos de millones de prepubertos.
El grunge se extinguió tan rápido como apareció, la muerte de Kurt Cobain afectó tanto a los fanáticos que las letras de soledad e incomprension dejaron de tener la potencia que tenían en algun momento. Muchos pudieron continuar con el estilo, pero no perduraron, basta pensar en Collective Souls. Sólo Pearl Jam ha demostrado ser un sobreviviente del grunge, y aunque continúan siendo una excelente banda, también han renegado un poco de su pasado áspero y desordenado.
El blues ya no tiene lugar, nadie le da hogar a sus solos extensos y complicados y a sus letras cargadas de simbolismo y sentimiento. El jazz ya no otorga felicidad ni emoción a los oyentes.
El Heavy Metal no murió, pero cayó en una actitud repetitiva, las letras envían constantemente el mismo mensaje y parece haber un extraordinario abuso de la distorsión.
¿Que hay del rock psicodélico o del rock progresivo? todos han empezado a desaparecer en el momento en el que se experimentó con nuevos horizontes durante los ´80. Ya nada es como antes en el mundo de la música.
Quiero dejar en claro que no por eso desvalorizo otros estilos ni épocas; aunque le dio poco lugar al rock, creo que los ´80 fueron una excelente década para la música porque nos abrió la cabeza y nos dio a conocer formas de hacer melodías no convencionales que no teníamos idea que podían existir. Tampoco pretendo insultar otros tipos de música como el reggaeton, la cumbia, el country, el rap, el hip hop, el pop y el screamo. Tratando de soltarme lo más posible de la subjetividad y los gustos personales, creo que cualquier tipo de música tiene algo de valioso, más cuando alguien se siente identificado con ella. Mi mensaje alude particularmente a los fanáticos del rock.

Lo que yo veo en el mundo de hoy, más allá de los gustos e intereses de cada uno, es que el rock se ha alejado de las mentes de todos, es un arte en vías de extinción. Las audiencias tienden a alimentarse siempre de las mismas notas y ritmos repetitivos o de sonidos producidos de máquinas y no de las manos de los artistas. Ya no hay sentimiento en la música, no hay esfuerzo ni sudor ni sangre, ya no hay pasión en la creación musical. La popularidad y la masificación parece ser lo único importante, nadie es músico porque quiere transmitir una melodía y un mensaje, sino porque quiere ser famoso y rico. Las ventas, si bien son importantes y necesarias, no pueden ser lo único que rige el mundo del arte. No digo que la cumbia y demás estilos populares hoy en dia sean malos o asquerosos, sino que demuestran poca pasión y esfuerzo. Escuchar o crear un solo ya es una tarea tediosa, nadie aprecia al músico por poner su alma en su instrumento. Eso es la mismísima esencia del rock, un arte que sale del corazón; no importa si su mensaje es positivo o negativo, si es anarquista o populista, si es comercial o de protesta, si es duro o suave, lo que importa es que sale del alma y en cada nota esta puesta la mismísima vida del artista. En una cultura hedonista, poco importa el sentimiento, sino el placer fácil e inmediato. Se prefieren letras que hablen de los placeres vanos y mundanos antes que las que impliquen un simbolismo o un razonamiento profundo.
Sin embargo, aún hay esperanza. El rock se distendió mucho hoy en dia y puede volver a encontrar cierta unidad en cuanto al esfuerzo por enviar un mensaje profundo y alejarse de los sonidos masificados. Hay bandas y estilos que aún hoy se mantienen firmes en la lucha, que aún pelean por envíar un mensaje cargado de sentimiento, por ser originales y por hacer su lugar como pioneros de la música. Yo pondría mis esperanzas en ellos, porque son ellos los que pueden revitalizar el rock en general, aunque las canciones sean muy distintas.
El Hard Rock, el Rock Alternativo, el post-grunge, el post-punk revival e incluso el Garage Rock son nuestros soldados hoy en dia. Si bien se han debilitado con los años por la falta de pluralidad en la música y por la complicación de alcanzar la originalidad, todavía se mantienen en pie, listos para luchar. Bandas como Velvet Revolver, Foo Fighters, Nickelback, The Strokes, The Killers, The White Stripes, Radiohead y tantas otras aun tratan de demostrar amor por el arte y fuerza en sus acordes. Hay incluso grupos más antiguos que buscan salvar a su amado arte de dar su último aliento, tales como U2, The Cure, Metallica, Pearl Jam.
En definitiva, lo que quiero hacer entender a los amantes del rock, es que, si bien es cierto que en estos tiempos el espíritu rebelde inicial ya no se encuentra, eso no es todo lo que lo define. Hoy en día tiene otro espíritu, otro mensaje. Tenemos que romper con las barreras del facilismo y el hedonismo que atentan no sólo contra la música sino contra todo arte.
Basta de canciones trilladas de sexo, drogas y odio. Basta de tonadas impersonales y repetitivas. Basta de temas vacíos y sin sentido. Retomemos la relación que teníamos con el arte, recuperemos la relación que tenían los artistas con la audiencia. Volvamos a hacer un esfuerzo y pongamos toda nuestra alma y pasión en cada letra, en cada acorde y hagamos que lo que realmente queremos decir dentro nuestro se convierta en un nuevo mensaje, porque alguien lo va a recibir y así va a proliferar. Capaz que no llegamos a los 10 más pedidos, pero llegamos a los corazónes de los oyentes, y para mí, eso es lo que importa...

La introspección hace eco

Foo Fighters siempre ha sido una gran banda, han conquistado el mundo del rock alternativo con sus letras poéticas, sus destellos de dureza en las tonadas y sus videos hilarantes. Sin embargo, su rasgo más significativo puede llegar a ser la profundidad de sus canciones, que suelen mostrar una gran introspección y significado; rasgo que está mucho más presente en esta última época del grupo.
Cuando el ex-baterista del grupo grunge y anti-comercial, Nirvana, Dave Grohl une a los miembros iniciales de los Fighters, se dedicaron a un estilo de música más simpático y melódico, uno que se separaba de las letras rasgadas y dolorosas de Kurt Cobain. Ejemplo de esto es el primer éxito, Big Me, cuyo video muestra a los integrantes parodiando las publicidades de Mentos.
A lo largo de los años, el grupo ha estado parado entre un estilo alternativo y un estilo post-grunge, siempre tratando de definir su identidad como banda. De toda esa búsqueda interior por una identidad nacen canciones que llevaron a la cima a álbumes como The Colour and the Shape y One by One.
En mi opinión, el grupo ha alcanzado su mayor fuerza (hasta ahora) con su último trabajo: Echoes, Silence, Patience and Grace, lanzado el 25 de septiembre del 2007. La canción que pone la cara cuando comienza a girar el cd, The pretender, demuestra que con acordes sencillos pero con una letra profunda y cargada de puro sentido se puede llegar a un verdadero himno al individualismo. Ni bien Grohl grita "¿Qué pasa si digo que no soy como los demás?" puede sentirse el deseo de libertad y de identidad que brota del corazón.
Otros temas como Let it die, But, honestly, Long Road to ruin y Summertime, también demuestran una gran búsqueda interior y un firme individualismo.
Pasando a ser una banda de Rock puramente alternativo, los Foo Fighters, aparentemente, han encontrado esa identidad que tanto han buscado y la utilizaron para crear una obra cargada de sentimiento.
Este grupo se ha merecido su descanso después del arduo trabajo y esperamos grandes cosas de ellos en el futuro.

Una lección de psicoanálisis hecha ópera

Una escena del film "Casi famosos" hace referencia al álbum del que voy a hablar a continuación. En dicha secuencia, una chica de 18 años le regala a su hermano de 11 todos los discos que tenía; el primero que abre el chico pone en la tapa The Who y más abajo Tommy. Una nota de la hermana se encontraba adentro y decía "Escuchá Tommy con una vela encendida y vas a ver tu futuro". Personalmente, he escuchado ese disco decenas de veces y no logré ver mi futuro, pero no pude evitar, ni una vez, mirar dentro de mí, en lo más profundo de mi subconsciente, de mis sueños, mis delirios y mi imaginación; como si hubiera estado forzado a zambullirme a esa pileta llena de locuras.
En una época en la que la reputación de The Who venía en picada, sólo un milagro podía llevarlos nuevamente a la cima, un milagro que les otorgara la inspiración para componer algo nuevo, algo que jamás se haya visto en la historia del Rock, un milagro lo suficientemente fuerte como para devolverle la vista a un ciego. Quisieron las circunstancias que un glorioso día de 1969 Pete Townshend encontrara la iluminación que necesitaba y comenzara a escribir lo que se convertiría en 25 canciones unidas por un tema, una historia y un personaje. El resultado fue una ópera de Rock, original e innovadora en todo sentido. Las nuevas canciones con melodías tan bien cohesionadas con las letras, sumado al apoyo de numerosos titanes de la música, logró el impulso necesitado para devolver a The Who su lugar entre las bandas de gran calibre.
Todo muy lindo pero ¿Quién es Tommy? He aquí nuestro héroe: Tommy Walker, un niño nacido alrededor de 1917, en plena Guerra Mundial, sin llegar a conocer a su padre, un piloto de guerra desaparecido antes de la finalización del conflicto armado. Criado por su amada madre y su nuevo acompañante, presencia el regreso del capitán Walker en el año 1921. La historia original sugiere que el padre de Tommy asesina al amante de su mujer, mientras que la adaptación cinematografica muestra que es el amante quien, en defensa propia, mata al capitán Walker. De cualquier manera, la sorpresa del pequeño Tommy es tal que sus padres le ordenan que "no viste nada, no oíste nada y no le dirás nunca nada a nadie". Como resultado, el obediente niño queda ciego, sordo y mudo.
Tommy relata la vida de este muchacho, que no responde a nada ni a nadie más que a su propio reflejo, y sus viajes por su propio inconsciente mientras se encuentra alejado del mundo. Los esfuerzos vanos de sus padres por hacerle recuperar sus sentidos sólo intensifican su introspección, hay una constante lucha entre su subconsciente y sus seres queridos por tratar de poseer a Tommy. Su alienamiento del mundo se hace cada vez más profundo en la medida en la que el personaje se hace mundialmente reconocido por sus increíbles habilidades en el pinball, ganando fanáticos y transformándose involuntariamente su imágen en la de un ídolo, un mesías.
A pesar de no tener una narración propiamente dicha, las melodías y las letras le permiten al oyente seguir la historia con coherencia y sin dificultades; por ejemplo, sin que sea dicho explícitamente, uno comprende al escuchar 1921, por los puentes y coros que ascienden en intensidad y los cambios bruscos en la letra y el ritmo, que el pequeño Tommy contempló un asesinato que va a ser el diparador de todos los acontecimientos de su vida.
La sensación de clímax provocada por temas como Smash the mirror, I´m free y We´re not gonna take it, así como los tonos armónicos de Sally Simpson, Eyesight to the Blind, Christmas y Acid Queen apartan la sensación de estar escuchando canciones sueltas y provoca la idea de estar presenciando una historia verdadera y auténtica con una composición sólida, con principio, medio y fin. La letra "see me, feel me, touch me, heal me", intercalada en muchas de las canciones, otrorga una unidad en la trama y entre los distintos ritmos y mantiene la atención en el tema principal: la lucha de Tommy por regresar a su mundo que lo ha obligado a alienarse o continuar su viaje asombroso por su subconsciente.
En mi opinión, tanto el álbum como la película requieren de concentración y un poco de conocimiento para ser apreciados en su totalidad, no se puede asimilar por completo la riqueza de Tommy escuchándose una sóla vez o escuchando temas sueltos en cualquier órden. Con lo cual, me atrevo a decir que no lo recomendaría a nadie que no sea amante de The Who o de ese estilo de música; sin embargo, me parece un muy buen primer paso para todo aquél que quiera introducirse en este excelente grupo y nunca haya tenido la oportunidad, porque tanto este como muchos otros de sus trabajos muestran un gran amor por su arte y un esfuerzo por plasmar toda su intensidad y pasión en sus notas, tratando de llegar a la perfección en su obra.
Tommy es apta para los que estén dispuestos a embarcarse a un viaje profundo e interno y encontrarse con sus delirios e imaginaciónes más ocultas, sólo por medio de la música.

Scott Vs Johnson

Creo sinceramente que todo gran fanático de AC/DC se ha formulado esta pregunta en algún punto de su existencia ¿Qué cantante de esta gran banda es el mejor? ¿Vale más la dureza de la voz de Bon Scott o la soltura musical de Brian Johnson?

Tras el fracaso que significó la elección temprana del vocalista Dave Evans, los hermanos Malcolm y Angus Young decidieron que un cambio rotundo al frente de la banda era exactamente lo que necesitaban para ser disparados a la cima. El llamado de la fama fue respondido por Ronald Belford Scott, quien con su áspera pero aguda y potente voz gritó: It´s a long way to the top (if you want to rock and roll). Un simple condutor de Adelaide, mostró su interés en unirse a la banda como baterista, pero la necesidad llamaba a un cantante y Scott mostró sus habilidades uniéndose en 1974. De ahi nació el éxitoso album High Voltage, seguido de T.N.T., Dirty Deeds Done Dirt Cheap, Let There Be Rock, Powerage y, por supuesto, Highway To Hell.
La fuerza de la voz de Scott no sólo otorgaba firmeza a las notas, unía al grupo como un todo, aún con los cambios de bajistas y bateristas, los hermanos Young sentían que tema por tema, se iban consolidando como banda. Con cada álbum que pasaba, cada miembro iba mostrando su fuerza y habilidad, como es el caso de Cliff Williams y su demostración de "poderosos" riffs en bajo empleados en Powerage (1978).
La fuerza de Scott era simbólica, él fue la piedra angular desde la que se disparó ese desarrollo individual de cada miembro y unió sus habilidades en un exquisito conjunto. Degraciadamente, la vida tiene sus maneras de sorprender. El 19 de febrero de 1980, Bon Scott, de 33 años, fue encontrado muerto debido a envenenamiento por alcohol en un club de Londres llamado MusicMachine. El dolor fue impresionante, AC/DC sintió que faltaba una parte importante y fue perdiendo esa poderosa unidad que compartieron por tantos años.

A pesar de que el deseo de finalizar su recorrido musical se mostró muy latente, los Young sabían que Scott hubiera querido que AC/DC perdurara en el tiempo. Muchos candidatos fueron considerados para su reemplazo, pero era difícil encontrar a alguien que pudiera mostrar su propia fuerza vocal sin ser ocultado por la sombra del anterior cantante. El ex miembro de la banda Geordie, Brian Johnson fue elegido. La banda sabía que arriesgaba mucho con este cambio, pero debían continuar su recorrido. Con una asombrosa interpretación de Whole Lotta Rosie, se ganó su lugar al frente del grupo y su inclusión permitió la finalización del álbum considerado "el mejor": Back in Black. Johnson mostró un estilo similar al de Scott y a la vez muy distinto. Su voz no tenía la misma dureza, pero sus notas eran igual de agudas, al punto de ser casi gemidos de dolor, y su juego constante de cantos y ritmos motivaba a la banda a tocar cada vez con más intensidad; su presencia se hacía notar en el escenario, y su fuerza radicaba en el esfuerzo prácticamente pasional que ponía en cada canción. Es seguro decir que Johnson siempre canto con alma y corazón y nunca se lo vio desmotivado. A pesar de pasar por problemas como la partida del estupendo baterista Phil Rudd y un periodo de decaída entre 1984 y 1987, AC/DC supo reponerse a cada amenaza y vencer las adversidades con un nuevo tono agudo y un nuevo riff explosivo. Hoy en día siguen mostrando gozando de su éxito después de increíbles álbumes como Who Made Who, The Razor´s Edge, Ballbreaker y Stiff Upper Lip.

Habiendo hecho este breve análisis ¿Puede decirse quién es el mejor vocalista de esta gran banda? ¿Acaso la verdadera esencia de AC/DC se encuentra en la potente y destructora voz de Bon Scott? ¿O será en los gritos agudos y apasionados de Brian Johnson? Eso es algo que debe decidir cada fanático. Yo tengo a mi preferido, pero no pretendo bajo ningún motivo condicionar al lector a hacer la misma elección que yo. Creo que este grupo a demostrado ser capaz de vencer cualquier tipo de adversidad sin importar el cambio de miembros; su estilo de hard rock es inmortal y aún no ha terminado de demostrar su potencial.

Creando música en los 60

Pocos libros de música o historia de la música me interesaron tanto como este. Su autor, Joe Boyd, realiza una autobiografía que se sitúa principalemnte en los 60, en la que introduce sus trabajos como productor musical, su infancia en los Estados Unidos y también nos cuenta de qué manera se fue desarrollando el club UFO (Underground Freak Out) que inició él mismo con la ayuda de su amigo, el periodista y activista John Hopkins. También logra mostrarnos cómo se dio el paso del folk rock a un rock naciente.

Como productor musical, Joe Boyd realizó trabajos con Pink Floyd, Nick Drake, Incredible String Band y Fairport Convention, entre otros artistas. Luego de que Boyd se instalara finalmente en la capital del Under, Londres, comenzó a realizar producciones con distintos artistas para así ganar conocimiento y experiencia, y poder crear su propia discográfica llamada Witchseason, años después.

Junto con Floyd realizó lo que sería el primer sencillo de la banda, Arnold Layne (1967).

Five Leaves Left (1969) y Bryter Layter (1970) son los dos excelentes albumes del artista folk Nick Drake que produjo Boyd. Por el lado de Incredible String Band, se encargó de llevar a cabo discos de dicha banda, como Wee Tam and the Big Huge y The Hangman´s Beautiful Daughter, entre otros. Ambos discos fueron producidos en 1968.

Por otro lado, el libro detalla muy bien cómo se fue desarrollando el under de Londres en la década del 60. Dentro de este ambiente, es necesario destacar al UFO, punto clave de la vanguardia de la ciudad, en el cual se presentaban bandas como Soft Machine, Pink Floyd, The Move y Tomorrow, entre muchas otras. Jóvenes sedientos de buena música, un buen espectáculo de luces y alguna que otra cosa más, se acercaban todas las noches al UFO para pasar un rato agradable.

Para finalizar, quiero simplemente decir que por medio de este libro, en verdad Boyd logra transmitir el espíritu y las ideas de la música de esa época, por medio de anéctodas, vivencias personales, intimidades y muchas cosas más. Me resultó muy agradable e interesante leerlo, se los recomiendo.